Instituto Cervantes Milano

Cristina Omarrementería (Valencia, 1988)

“L'artigianalità del ferro e l'ossidazione naturale dell'acqua di mare come gamma cromatica”.

La designer Cristina Omarrementería è innamorata del metallo, un materiale nobile che l'accompagna fin dall'infanzia. I suoi progetti sono un'interpretazione contemporanea della tradizionale forgiatura spagnola. Si ispira alle vecchie ringhiere spagnole, un omaggio agli elementi in ferro battuto di uso quotidiano che passano inosservati. Per la designer, il ferro unisce forza e sensualità, delicatezza e bellezza, e le piace mettere in risalto il lavoro artigianale di anonimi fabbri. 

Il processo creativo, spontaneo ma allo stesso tempo rigoroso, è fondamentale per Omarrementería, poiché i suoi progetti si formano direttamente lavorando il materiale, senza misure esatte o piani 3D precedenti. È un processo analogico al 100%.

Iron flowers è il titolo di una delle collezioni presentate in questa mostra, realizzata quasi senza schizzi o computer, per tentativi ed errori, insieme all'artigiano Jose Sebastiá Sanjuán. Iron flowers è composta da una sedia e un tavolo concepiti come un insieme di mobili da esterno, dipinti a colori e decorati con fiori di ferro. 

EM (Escenario Mediterráneo) è una collezione per la quale la designer ha concepito una sedia e un vaso, pezzi costruiti con un unico materiale, il ferro battuto.  Il ferro reagisce istantaneamente all'ambiente; a contatto con l'acqua, tutte le vernici scompaiono e i pezzi assumono un colore marrone che cambia in rosso a seconda della luce riflessa dall'acqua e dalla sabbia.

Inés Sistiaga (Barcelona, 1992)

“Biologia umana, tecnologia e ricerca tessile”.

Inés Sistiaga è una designer tessile e ricercatrice. Dopo aver studiato gioielleria alla Escola Massana di Barcellona, si è trasferita nei Paesi Bassi per conseguire una laurea in design alla Design Academy Eindhoven. Si è laureata nel 2018 con lode nel dipartimento Design per il Benessere.

Con il suo lavoro, incentrato principalmente sull'esplorazione di materiali e strutture tessili, sviluppa studi che spaziano dal funzionale all'estetico e dal tecnico al decorativo. Attraverso processi di prova ed errore, Sistiaga esplora linguaggi visivi e costruzioni materiali utilizzando tecnologie artigianali e digitali. Per la designer, i tessuti sono uno strumento. La sua ricerca si concretizza in proposte nel campo del design e dell'interior design.

In questa mostra, la designer presenta Tailored Bond, un archivio di esplorazioni anatomiche attraverso i tessuti. Inés Sistiaga parte dalle informazioni e dalle tecnologie di visualizzazione traumatologica e trasferisce la meccanica dei tessuti molli del corpo ai modelli a maglia, concependo il tessuto come una costruzione con proprietà fisiche. Questo progetto propone una conversazione tra codice, filo e corpo che umanizza il nostro rapporto con l'industria e si concentra sulla differenza delle nostre fisionomie, creando seconde pelli tessili che collegano la tecnologia con l'individualità della biologia umana. 

Una collezione di questo progetto è esposta in questa mostra e consiste in otto pezzi nei toni del verde e del giallo che possono essere utilizzati come braccialetti, ginocchiere e gomitiere. Ogni pezzo è adattato alla specifica area del corpo interessata, rispettandone la fisionomia.

Eli Gutiérrez (Valencia, 1980)

“Il legno, materiale organico fonte di ispirazione”.

Dopo aver terminato gli studi nella sua città natale, si è trasferito a Londra per conseguire un Master in Product Design presso il Royal College of Art. Ha vissuto a Milano e Parigi dove ha collaborato con alcuni dei più rinomati studi di design come Patricia Urquiola, Philippe Starck e India Mahdavi. Nel 2016 ha aperto il proprio studio tra Parigi e Valencia, concentrandosi sul design di prodotto, sulle installazioni, sull'interior design e sulla creazione di concept. 

Nei suoi progetti, l'accento è posto sulla funzione, sul materiale e sul dettaglio. Un amore incondizionato per l'artigianato unito a una vera sensibilità per il colore, i materiali e le texture conferiscono al suo linguaggio un carattere distintivo.

In questa mostra, Eli Gutiérrez presenta Chess, un pezzo che emerge dalla convergenza di artigianato, design e innovazione, dove le sue linee alludono a un nuovo linguaggio all'interno del ventaglio. Queste linee creano il caratteristico “pattern” a forma di scacchiera che rende più facile piegare il ventaglio una volta che lo si vuole riporre, trasformandolo in un oggetto versatile e di piccole dimensioni. Il pezzo è realizzato con strisce di diversi tipi di legno che si intrecciano tra loro, dando origine alla struttura del ventaglio stesso.

Un altro pezzo del designer è la lampada Omma. L'antico termine frisone omma, che significa “respiro”, indica il carattere principale di questa collezione di lampade, in quanto dà l'impressione che la luce “respiri” attraverso le due foglie di legno. La collezione può essere descritta come “foglie di luce”, declinate in lampade a sospensione, da tavolo, da terra e da parete. Le lampade sono completamente modulari: ogni modulo può essere combinato per creare una versione lineare in cui le “foglie” ruotano fino a 180 gradi, consentendo una gamma di illuminazione adattabile a diversi ambienti di lavoro e stili di vita.

Eli Gutiérrez presenta in questa mostra anche la lampada Kasa. Kasa in giapponese è un cappello conico. Il pezzo è composto da un'impiallacciatura di legno a forma di 2d che si ripiega su se stessa e si aggancia al “braccio” della lampada principale, dove si trova la luce. Il pannello di impiallacciatura arrotondato della lampada ha una forma leggermente conica, che si assottiglia dal bordo fino a un punto centrale. Una curiosa appendice metallica a forma di fungo riflette la luce sul pannello, che a sua volta illumina silenziosamente lo spazio circostante. Kasa è una lampada decorativa con due facce: una dal comportamento un po' giocoso, l'altra molto più riflessiva.

Marta Ayala (Córdoba, 1987)

“Il suo interesse per i materiali e le loro possibilità funzionali ed estetiche l'ha portata a lavorare con gli artigiani”.

Marta Ayala è ingegnere di prodotto, arredamento e design industriale. Il suo lavoro si concentra sulla relazione tra gli esseri umani e il loro ambiente attraverso gli oggetti. Cerca sempre di esplorare e utilizzare nuovi materiali e nuovi modi di vivere il mondo. Nel corso della sua carriera, la designer ha lavorato per lo studio Ciszak Dalmas, Doiy Barcelona, il Madrid Design Festival e La Casa Encendida. Il suo lavoro è stato esposto a CasaBanchel, Madrid; alla Settimana del Design di Milano, alla Milano Design Week, alla fiera Ventura Lambrate e a Lille World Design Capital. Inoltre, nel 2013 ha ricevuto uno dei Premi Injuve, che stimolano e riconoscono lo sforzo e l'impegno dei giovani il cui lavoro è rilevante in diversi ambiti della società. 

I mobili funzionali e smontabili che acquisiscono nuove funzionalità fanno parte della sua identità. Per questa mostra, Marta Ayala presenta la lampada da tavolo Gurumelo. Stampata in 3D e in plastica PLA biodegradabile, un materiale derivato dall'acido lattico, sostenibile e con una piacevole finitura lucida. Questo pezzo esplora i metodi digitali di autoproduzione e ricerca un linguaggio di design contemporaneo.

Un altro progetto del designer sono le panchine Entreplanta. L'obiettivo di questa serie di pezzi era quello di creare un punto d'incontro versatile che rispondesse a questi valori: impegno per la società e l'integrazione, e rispetto per l'ambiente. La scelta dei materiali è stata molto importante: le panchine sono realizzate con rifiuti non considerati “nobili” e l'obiettivo era recuperare questi rifiuti come materiale potenzialmente bello. La progettazione ha ruotato intorno alla massimizzazione e all'utilizzo ottimale di questi materiali, regolando le dimensioni per evitare lo spreco di materiali e garantendo la durata dei pezzi nel tempo. La fabbricazione dei diversi elementi è stata realizzata da falegnami artigiani di Madrid.

Marta Ayala presenta anche lo sgabello o tavolino Tondo, un pezzo che può avere entrambe le funzioni. Tondo esplora la materialità e la natura della corteccia di quercia di sughero attraverso le proporzioni e i processi minimi applicati per rivelare le qualità naturali del sughero.

Amalia Puga (Vigo, 1996)

“Stiamo diventando sempre più consapevoli del valore degli oggetti. La società in generale comincia a preoccuparsi di essere più autosufficiente, e per questo si affida a soluzioni artigianali locali”.

Amalia Puga è una designer di prodotti e materiali. Progetta per raccontare storie e per creare un impatto sulla percezione e sul comportamento delle persone. Si ispira alle tradizioni, creando progetti che trovano soluzioni collaborative tra le persone, al fine di rivalutare piccole collettività con una storia e una cultura arricchenti. Dal 2019 collabora con l'Asociación de Redeiras de A Guarda (Pontevedra), artigiane dedite alla realizzazione di reti da pesca, per dare visibilità al loro lavoro e all'importanza del ruolo delle donne nei villaggi di pescatori.

Premiata con la Medaglia Adi de Oro 2020 per il suo progetto Entre redes, realizzato a A Guarda, un piccolo villaggio di pescatori in Galizia. Un luogo dove, nel corso della storia, il lavoro di collaborazione locale tra donne è stato essenziale per la crescita economica del villaggio. Le redeiras sono un collettivo di donne tessitrici di reti tradizionali galiziane il cui mestiere sta scomparendo. Per trasmettere questo know-how alle nuove generazioni, devono innovare e diversificare il loro lavoro, ma sempre mantenendo l'origine e l'identità della loro tradizione.

Dallo stesso progetto, Saia si ispira alle vecchie nasse da pesca. È realizzata a mano con reti recuperate dal mare. Si tratta di un materiale imperfettamente tinto tessuto su una struttura di lampada seguendo lo stesso processo tradizionale, gli stessi strumenti e la stessa tecnica utilizzati per realizzare e riparare le reti da pesca. La lampada Saia è una reinterpretazione dei tradizionali cesti usati per raccogliere le alghe “argazo”. Facilmente trasportabile, è progettata per adattarsi a qualsiasi ambiente.

La sedia Bolina è realizzata con corde annodate intorno a singole strutture metalliche curve, che vengono unite tra loro mediante nodi da pesca, senza l'uso di viti o colla. Il risultato è una struttura altamente resistente che mantiene la sua forma e le sue caratteristiche naturali.

Raquel Buj (Palencia, 1979)

“Sperimentazione creativa continua attraverso i materiali forniti dalla natura”.

Raquel Buj è artista, fashion designer e architetto. Concepisce il suo studio, Buj Studio, come un laboratorio in cui sperimentare nuovi materiali provenienti da ambiti molto diversi, mescolando artigianato, fabbricazione digitale e biofabbricazione. Il suo lavoro ha ricevuto diversi premi e riconoscimenti, tra cui il premio Samsung Ego Innovation Project (2017) MBFWM, la menzione per la Ricerca e il Design alla Biennale Iberoamericana di Design (2019) e il premio per il design emergente IADE 2021. I suoi pezzi sono stati esposti alla Casa Encendida 2020, all'Artbatalion Plaza de España 2021, al Manuel Piña Museum 2022 o alla mostra Can U sustainable a Shanghai, Cina 2022. Spiccano le sue collezioni tra arte e moda, come Growing Landscapes 2018 e NIDOS 2021, selezionate e presentate alla MBFWM, o il Carnaval de las Especies compañeras, Matadero Madrid 2022.

In questa mostra presenta il progetto Ungüentos, che è un invito a riflettere sulla complessità ecologica del nostro abbigliamento attraverso una triplice proposta: una collezione di abiti, un laboratorio materiale e una performance rituale. I suoi abiti, più che semplici capi, sono seconde pelli, involucri sensibili che ci ricoprono, come un unguento intimo e premuroso. Grazie ad essi possiamo reimmaginare il nostro orizzonte estetico al di là del canone antropocentrico della modernità.

Il progetto si ispira ai classici poemi di Ovidio Cosmetici per il volto femminile, dove l'autore compila un antico ricettario per la cura e l'abbellimento della pelle. Gli elementi naturali che compongono questi unguenti (petali, lupini, narcisi, orzo, yero, uovo, cera naturale, mirra, incenso...) sono utilizzati per una sperimentazione biomateriale in un laboratorio che dà fisicità alle poesie.

Infine, una performance attiva le pelli che gli indumenti coprono e rende visibile lo spazio che Ovidio ignora: il camerino nascosto della cura rituale. In quel luogo invisibilizzato, le ballerine si vestono e si spogliano, cambiando pelle in una danza rituale che richiede gesti diversi che, come gli indumenti, sono fatti di corpo e materia vibrante.

In questa esposizione, Raquel Buj presenta il Pezzo numero 5 del progetto Ungüentos. Questo pezzo è stato creato con bioplastiche a base di agar e carragenina, sale Ammonio, resina di colofonia, mirra, pigmenti naturali, liquidi di cottura d'orzo. Inoltre, possiamo vedere altri pezzi di questa collezione creati anche con cera naturale, bioplastiche, fecola di patate e mais e fiori secchi triturati.

Helena Rohner (Las Palmas de Gran Canaria, 1968)

“Progettare sulla base dell'artigiano e del rapporto con questa figura e i suoi limiti”.

Helena Rohner è una designer di gioielli e prodotti. Da oltre venticinque anni progetta in modo sostenibile, sia per quanto riguarda i materiali utilizzati nelle sue creazioni sia per quanto riguarda i processi di produzione artigianale delle sue collezioni. Il suo stile inconfondibile è caratterizzato dal suo modo di giocare con i materiali, dalle linee raffinate e dall'atemporalità dei suoi pezzi. Cerca sempre l'armonia e la bellezza, creando forme organiche, sottili e colorate. Ispirata dalla natura, si lascia trasportare dai suoi elementi per trovare l'essenza di ogni suo gioiello. 

Nelle sue collezioni utilizza materiali come la porcellana, la corda o il legno, che mescola con il metallo e che, all'inizio, non erano considerati adatti al design dei gioielli. Da qualche tempo utilizza anche un polimero estratto dalle patate o dalla manioca, il PLA, un materiale totalmente biodegradabile. Questo materiale l'ha portata a lavorare con la stampa 3D e a creare una collezione che lei stessa definisce “pezzi fatti a mano del futuro”.

Helena Rohner ha ricevuto grandi riconoscimenti nel campo del design e nel 2015 è stata insignita della Medaglia d'oro al merito delle Belle Arti.

Per questa mostra, Helena Rohner ha creato una “natura morta” composta da diversi pezzi delle sue collezioni. Troviamo una collana fatta di perline stampate in 3D mescolate con metallo placcato oro, braccialetti multicolori anch'essi creati in PLA-3D. Gli orecchini, l'anello e la spilla combinano rispettivamente pietra e porcellana con il metallo. Le due candele Anaga, realizzate in cera naturale, sono un progetto esclusivo del marchio Cerabellav. Un ultimo pezzo completa questa natura morta. Una forma concava in bronzo, che può funzionare sia come fermacarte sia come elemento decorativo indipendente, ricordando una pietra liscia o una foglia dispiegata.

Helena Rohner disegna ciò che desidera, guardandosi intorno alla ricerca di ciò che non vede o che vorrebbe vedere in modo diverso. Realizza a mano gioielli e pezzi senza tempo che diventano parte dell'individuo e della casa.

Silvia Fernández Palomar, Silvia Ferpal (Madrid, 1990)

“Una reinterpretazione contemporanea della cultura popolare”.

Silvia Fernández Palomar è una designer e artista madrilena. Nel 2019 ha ricevuto il National Design Award. Attualmente la designer dirige il suo studio ferpal.studio dove lavora per istituzioni come la Biblioteca Nazionale di Spagna, la Biennale di Venezia, Oysho, Harvard o Unu Motors. Unisce la sua pratica al suo profilo di artista con mostre al Museo Frac e all'Azkuna Zentroa.

Si è laureata in Belle Arti presso l'Università Complutense di Madrid. Il suo lavoro professionale si è sviluppato in agenzie e consulenze di design strategico come Ogilvy&Mather o Designit.

Ha trascorso due anni a New York, che le hanno permesso di comprendere il design da una prospettiva più strategica. Collabora con il Comune di Madrid nella famosa campagna San Isidro 2018 con il carattere tipografico da lei disegnato ispirato alla città: ilFerpal Sans, che attualmente è uno dei caratteri tipografici ufficiali di Madrid ed è presente in questa mostra. Nel 2018 ha ricevuto una borsa di studio dall'Accademia di Spagna a Roma nella categoria design per lo sviluppo del progetto Libros Ilegibles (Libri Illegibili) del designer italiano Bruno Munari. Nel 2019, il Ministero spagnolo della Scienza e dell'Innovazione ha assegnato a Fernández il Premio nazionale per giovani designer della Spagna. Un riconoscimento del suo lavoro nel design strategico, grafico e dell'innovazione.

Per questa mostra, il designer ha creato appositamente dei manifesti utilizzando il carattere Ferpal Sans, un carattere non geometrico a bastoncino secco con gesti di scrittura a mano. La designer si è ispirata ai cartelli in ceramica che indicano i nomi delle strade di Madrid, realizzati dal ceramista di Toledo Ruiz de Luna. Queste insegne sono state realizzate nel corso di diversi decenni, dagli anni '30 agli anni '60, presso la Escuela Oficial de Cerámica de Madrid.

Silvia Ferpal ha composto diverse immagini che riprendono elementi della cultura e, più in particolare, della gastronomia popolare madrilena, come quella dei Churros con chocolate, l'orologio con la frase It's time for a bocadillo de calamares in Plaza Mayor o quella che include “buñuelos”, “cocido”, “bravas”. Altri si riferiscono a luoghi della città come il mercato delle pulci del Rastro, il quartiere di Latina o la Plaza de Tirso de Molina. 

Júlia Esqué (Barcelona, 1986) 

“Mi interessa il rapporto tra gli oggetti e le persone che li usano”.

Júlia Esqué è una designer. Prima di mettersi in proprio nel 2019, ha trascorso i primi anni della sua carriera lavorando tra Barcellona e New York. I suoi interessi spaziano dall'illuminazione, ai mobili e agli accessori, fino alle applicazioni tessili su vari oggetti. Ha collaborato con aziende come Moooi, Santa & Cole, Mobles114, Paloma Wool o Nomad Coffee. Laurea in Product Design presso l'Università Elisava di Barcellona. Master in Product Design ECAL, Losanna, Svizzera.

La sua pratica progettuale si basa sulla sperimentazione e sul lavoro con le mani. Mai in modo sistematico, non usa né ruote cromatiche né teorie. Utilizza l'intuizione, che le permette di avere una prospettiva un po' più libera e sempre legata all'oggetto che sta disegnando. In questo progetto, presenta i pezzi della capsule che ha disegnato per il marchio di moda spagnolo Paloma Wool. Júlia Esqué ha iniziato il processo creativo da un prototipo per alcuni tappeti e ha dovuto realizzare un modello per capire come funzionavano l'ordito e la trama (le linee verticali e orizzontali). Questo l'ha portata a realizzare alcuni mock-up con carta e cartone per capire come avrebbe funzionato e come si sarebbero potuti applicare colori e toni diversi. Ha abbandonato la carta perché la limitava in termini di combinazione di colori e ha iniziato a lavorare con le tavolozze al computer, stampandole e lavorandole, ritagliandole e assemblandole per creare trame multicolori che avrebbero dato origine a quelle che sarebbero state le stampe della collezione.

In questa mostra sono presenti anche Bretona e Diplomática, due paraventi disegnati per Trípode, un progetto iconico di Santa & Cole. Diplomática nastro a righe sottili e Bretona nastro a righe spesse. Il nastro gessato e il nastro a righe bretoni sono il risultato di un intervento sul classico nastro grezzo. Una sovrapposizione delle finiture iniziali ispirate agli anni '90, nei riferimenti di Anni Albers e della sua ricerca Bauhaus, che convergono per arricchire il ritmo della nastratura.

Ingrid Picanyol (Torelló, 1988)

“Il pensiero creativo disinibito si riflette in una pratica di design che risponde a esigenze specifiche”.

Ingrid Picanyol è direttrice creativa, graphic designer e fotografa con sede a Barcellona. Ama lavorare con clienti lungimiranti che comprendono il potere e l'influenza che possono avere, e aiuta a costruire marchi che tutti vogliono scegliere domani. Prima di gestire il proprio studio, ha lavorato con Suki Design Studio, RoAndCo, Javas Lehn Studio e ByFutura.

Ha fondato il proprio studio nel 2014 e lavora con clienti di tutto il mondo. Sebbene tutti i suoi progetti siano personalizzati in base alle esigenze del design, cerca sempre di allineare l'innovazione in modo fresco, inclusivo e responsabile nei confronti dell'ambiente. Da quando ha iniziato a progettare, Ingrid Picanyol si è concentrata sulla sostenibilità, lavorando per marchi cosmetici e alimentari che si prendono cura dei loro processi di produzione e si impegnano a realizzare imballaggi responsabili utilizzando materiali riciclati o biomateriali.

In questa mostra presenta diversi progetti di packaging come Today I Saw Eden, un marchio incentrato sul benessere e sulla connessione con la natura attraverso pezzi di pietra naturale. Dalston Coffee, una torrefazione di caffè speciale con processi artigianali in cui il packaging riflette perfettamente i valori di questo spirito in cui i processi sono curati al massimo. 

Infine, viene mostrato il sistema visivo The Park Office, un progetto basato sul linguaggio visivo iconico del programma Excel, che fonde vari elementi vegetali riconoscibili della vita in un parco. Il progetto trasmette un'apparente contraddizione fondendo due spazi diversi come un parco e un ufficio. In questo modo, la vita urbana si avvicina a ciò che ci lega alla natura.

Verónica Fuerte (Barcelona, 1980)

“Progettare in un modo che va oltre l'estetica, dove si aggiunge anche il modo di fare, trattare e pensare”.

Fondatrice e direttrice creativa di Hey, Verònica Fuerte è anche designer e illustratrice. Dopo aver conseguito una laurea in Graphic Design presso ELISAVA e un Master in Typography Design presso EINA, ha lavorato per diversi studi di design a Barcellona. Nel 2007 ha fondato il suo studio, Hey, e da allora è in continua crescita. Ha ricevuto il premio ADC Young Guns 7, molto prestigioso nel settore. Lavora principalmente su progetti di grafica e illustrazione per clienti di tutto il mondo.

Hey è un'abbondanza di colori e forme, ma soprattutto un design accessibile. La sua filosofia e la materializzazione delle idee non si basano sulle tendenze, ma sul ricreare uno stile molto più accessibile, in qualche modo democratico, qualcosa che la gente possa capire, cercando sempre di ricercare la semplicità della bellezza.

In questa mostra, troviamo la sciarpa Spectrum, prodotta localmente con un design unisex, in cui si può notare lo stile grafico di Hey, ispirato al modernismo catalano in generale e ad Antoni Gaudí in particolare. 

Per il progetto editoriale di Livraria Lello, l'idea era quella di immergersi in più di cento anni di storia, patrimonio e cultura per creare un'esperienza editoriale che potesse trasmettere al pubblico l'anima di questa emblematica istituzione portoghese. La Livraria Lello è stata fondata da José Pinto de Sousa Lello, un sognatore che voleva contribuire a un mondo più colto, con più lettori e più libri. Le pubblicazioni di questo progetto sono riuscite a catturare la determinazione e l'ottimismo di Livraria Lello, in un libro editoriale di grande formato. Con pagine di immagini accattivanti, colori fluorescenti e fotografie e illustrazioni a colori, Hey è riuscito a raccontare la ricca storia della biblioteca più famosa del mondo.

Daydream è un progetto di branding creato con la marmorizzazione, un processo di stampa che si realizza disegnando forme sull'acqua e utilizza un tipo di vernice leggera e fluttuante in modo che i colori non si mescolino. Si tratta di un processo analogico in cui non c'è controllo sul risultato, che dà un certo senso di libertà e la spontaneità di un sogno.

Mirian Miguel (Salamanca, 1984) 

“Tra tradizione artigianale e produzione di biomateriali”.

Mirian Miguel è una product designer laureata allo IED di Madrid. 

Fondatrice di PLAF_estudio, uno studio di Madrid che si dedica al design di prodotto e alla grafica, impegnato nel rispetto dell'ambiente e dello slowdesign. Cerca di integrare l'artigianato e il know-how dei maestri nei suoi progetti, puntando sempre sui mestieri radicati nella Penisola.

Per questa mostra, Mirian Miguel ha creato appositamente il progetto Nodriza, in cui diversi pezzi dialogano tra loro su chi sarebbe oggi la “balia” nelle nostre case e sull'importanza di un alimento essenziale come il latte.  Un elemento emotivo entra in gioco, il latte, poiché è un alimento che gli esseri umani bevono appena nati e continuano a consumare per tutta la vita. La brocca avrebbe la funzione di “balia” nella casa di oggi, una volta terminato il periodo dell'allattamento.

Una delle brocche e un piatto sono in vetro. Il vetro è un materiale riutilizzabile e il fatto che questi due pezzi siano realizzati a mano dal soffiatore di vetro Luis Machi ad Albacete conferisce loro un carattere più sostenibile. D'altra parte, il designer ha utilizzato la caseina (una fosfoproteina presente nel latte) per realizzare una replica della brocca e del piatto con questo biomateriale. La caseina è molto utile per generare bioplastiche completamente degradabili.

Il processo seguito da Mirian Miguel per ottenere una sorta di massa di caseina modellabile è il seguente. Mescola la caseina con l'acido acetico (in questo caso l'aceto) cercando di separare la proteina dal siero. Questo avviene riscaldando il latte a 80 gradi e aggiungendo gradualmente l'aceto. Il risultato è una massa simile a una cagliata, che viene poi lasciata asciugare sotto compressione per formare un elemento rigido e fragile, ma che assume la forma dello stampo. Si utilizzano anche leganti vegetali come l'agar-agar, che vengono sciolti nell'acqua del latte, si aggiunge glicerina e si versa su diverse superfici, sia lisce che strutturate. Come forma di sperimentazione per vedere la capacità della caseina di registrare le texture, il designer ha realizzato il piatto e la brocca con questa massa.  I pezzi del progetto Nodriza sono stati realizzati con latte di pecora parzialmente scremato proveniente dalle fattorie Leche Gaza di Zamora.